Redondo Brand Primavera/Verano 2027
«Adoro lo insólito, lo fuera de serie, lo extravagante, lo fabuloso. ¡Tener lo que nadie tiene!»
— María Félix.
El reto a la hora de diseñar una colección inspirada en una mujer como María Félix podría residir en que dejó demasiado material tras de sí.
Su armario incluía Balenciaga, Saint Laurent y una relación especialmente estrecha con Dior. Ella misma modificaba algunas de sus prendas, inventaba otras y era capaz de convertir en ropa objetos que no estaban pensados para ello. Vogue encontró al menos ochenta pares de pantalones blancos y más de trescientos jerseys de cuello alto de cashmere entre sus pertenencias. Y ni siquiera hablemos de su pasión por las joyas. Una serpiente articulada Cartier engastada con 2.473 diamantes; más tarde, el famoso collar multiusos de dos cocodrilos en oro, diamantes, esmeraldas y rubíes.
Por eso, La Doña de Jorge Redondo se vuelve interesante precisamente cuando deja de intentar parecerse a María Félix.
A través de los tejidos y el diseño de la colección, se aprecia que el exceso estaba sin duda presente. México se coló a través de la artesanía y el color; París, a través del refinamiento y el romanticismo de la escena. Los mariachis se encargaron de que la visión se amplificara más allá de lo visible. Bien, pero la iconografía es la parte fácil. Las prendas tenían una tarea más compleja: plasmar una idea antigua de la grandeza femenina sin que la mujer que las llevara pareciera cosplay.
Funcionó sorprendentemente bien.
Los pantalones anchos aparecieron junto a la corsetería. Las siluetas rectas se cortaban sobre la organza. Las faldas rompían con la esperada silueta de las socialités, que solía rozar el suelo. Los plisados aportaban ligereza a unas prendas que, de otro modo, podrían haber resultado pesadas. La transparencia dejaba al descubierto el cuerpo sin que la mujer pareciera vulnerable. Jorge no modernizó el «doñismo» haciéndolo sutil o sobrio.
Qué aburrido habría sido eso.
Más convincente resultó observar el intercambio entre las referencias explícitas e implícitas.
El vestido Quintana, con un torso estrecho y estructurado, hombros marcados y puños acampanados, se acercaba sin lugar a dudas más al lenguaje de María. Lo mismo ocurría con la camisa Felisa: ajustada a la cintura, hombros marcados y un plisado asimétrico que subía hacia el cuello antes de que las mangas terminaran en lazos. María recurría repetidamente a cuellos, puños, lazos y tops estructurados para que la parte superior del cuerpo luciera imponente. La referencia se puede apreciar sin necesidad de tener una fotografía de archivo al lado.
El look 41, denominado vestido de Michoacán, era un vestido azul que le aportaba un aire más suave. Un corpiño encorsetado con hombros al descubierto que daba paso a una falda plisada generosa, articulada por bandas horizontales más oscuras. Romántico, sí; frágil, no. La parte superior se mantenía esbelta, mientras que el volumen se desbordaba por debajo. Me recordaba menos al estilo imperioso de la última etapa de La Doña que a la María más joven: cuando el glamour y la belleza aún hablaban antes de que su reputación aprendiera a hacerlo por ella.
Y luego está la falda Mérida.
Una falda lápiz de charol rojo brillante debería pertenecer casi por completo a la actualidad: ajustada, reflectante y considerablemente más juvenil que el vestuario de gran dama en el que parte la colección. Sin embargo, el dobladillo termina en adornos colgantes rojos que recuerdan a la pasamanería de las cortinas antiguas: esas borlas y ribetes decorativos de los interiores diseñados para hacer anunciar riqueza nada más entrar en la habitación.
La combinación es inteligente.
Algo casi barroco cuelga debajo de algo casi fetichista. Esa es una forma mucho más interesante de actualizar un antiguo código social que simplemente acortar la falda.
El look 51 presentó otra propuesta a través de la sastrería blanca. Una chaqueta asimétrica entallada, botones florales, una falda con un estampado significativamente sutil de cuadrícula y un tocado de plumas enorme bajo una redecilla. María sin duda comprendía el poder de un sombrero, aunque los suyos solían ser menos extravagantes. El resultado es femenino sin caer en lo cliché. Señorial sin parecer anticuado. Y me hizo pensar más allá de María.
Aquí hay algo del antiguo arquetipo de la mujer de sociedad: aquella para quien vestirse era, en parte, una forma de mantener un personaje público. Los cisnes de Truman Capote forman parte de otra conversación, pero la moraleja es la misma: la ropa como poder social. El vestido de gala rojo, look 48, captaba ese instinto.
Un corpiño palabra de honor bien ajustado se ensanchaba en alto volumen de tafetán rojo, con flores confeccionadas con la misma tela que se agrupaban densamente alrededor de las caderas antes de dispersarse por la falda, creando un efecto visual de «me quiere, no me quiere». No era nada casual. Era glamuroso en el sentido más antiguo y serio de la palabra. Las flores eran importantes porque alteraban el diseño, por lo demás clásico, de un vestido de gala. Algunas se acumulaban en la cintura; otras parecían desprenderse de ella, como si el vestido hubiera empezado a deshojarse de su propio jardín mientras caminaba.
Eso es glamour.
Incluso el animal print —algo casi inaudito en Redondo Brand— cobraba sentido como un toque de contraste en una casa ya acostumbrada a la ropa de gala elegante. Me gustó mucho más como nuevo código de Redondo que como referencia a María Félix. Su difunto marido, Alex Berger, solía llamarla en privado «puma». El estampado elegido por la marca era de leopardo…
Bien hecho.
Por lo tanto, las referencias a su relación con los animales resultaban más intensas cuando se limitaban a ser insinuaciones, en lugar de ser evidentes.
Los vestidos plisados estaban muy bien. El propio Jorge los destacó como sus favoritos por las horas de trabajo manual que conllevaron. Sin embargo, la artesanía por sí sola no basta para que una prenda sea importante. La moda está llena de malas ideas arduamente laburosas. En este caso, los pliegues creaban densidad sin añadir peso muerto; el volumen se conseguía mediante la repetición, en lugar de con relleno. Las superficies cambiaban con cada paso. Lo que parecía controlado al estar de pie comenzaba a respirar en cuanto las modelos se movían, lo que significaba que la técnica no se limitaba a permanecer en la prenda a la espera de ser admirada. Formaba parte del cuerpo que la llevaba.
Eso es artesanía en toda su esencia.
Y aquí es donde María vuelve a ser útil. Su vestuario delata a alguien sensible a bordados, tejidos, arreglos, cosas creadas expresamente porque la versión existente resultaba competente. Jorge no necesitó recrear su Dior para acceder a esa parte de ella.
Lo único que tenía que hacer era tomar el arte en serio .
Los cuatro looks nupciales eran más literales. Cuatro novias para cuatro bodas.
¿Obvio? Sí.
Pero también algo chistoso.
Más importante aún es lo que la colección aporta a la marca.
La casa ya no es solo un taller dedicado a la confección de vestidos de gala. El prêt-à-porter representaba alrededor del 80 % de su negocio según las últimas cifras publicadas por Modaes, frente a aproximadamente un 20 % correspondiente a la confección a medida; además, la empresa ha apostado decididamente por la línea Casual, mientras que México y Estados Unidos se han convertido en mercados importantes para su prêt-à-porter online. Actualmente cuenta con cinco puntos de venta en España y, este mayo, probó el mercado neoyorquino con un pop-up en Bowery.
Esto vuelve especialmente importante una decisión tomada en La Doña: todas las prendas de la pasarela se pusieron a la venta inmediatamente después, siendo esta la primera vez que la colección Costura se comercializaba de esta forma. De repente, la contradicción central de la colección se convierte en algo útil…
¿Cómo se vende «tener lo que nadie tiene» a mucha gente? Quizás vendiendo diferentes contextos de la misma actitud.
La mujer que compra la falda Mérida no necesita el vestido Sinaloa. La novia no necesita la camisa Felisa. La clienta de Costura no necesita la línea casual. Quizá ni siquiera le interese, pero cada producto tiene que hacer que ella se reconozca en alguna versión de esa misma mujer. Eso es mucho más difícil que limitarse a solo poner la cara de María en el moodboard.
Y, en general, la ropa lo consiguió.
La casa está viendo recompensado su esfuerzo: La Doña ha recibido el Premio Mercedes-Benz a la Mejor Colección de la edición Primavera/Verano 2027, elegida por un jurado del sector entre las casas que participaron en la semana de la moda.
Entiendo el porqué.
Últimamente he estado pensando en lo mucho que la moda parece mirar hacia el pasado, en lo nostálgica que se percibe gran parte de la industria hoy en día.
No dejamos de volver a mujeres como María, a los cisnes, a mujeres de sociedad, a modelos de verdad, a vestuarios pensados para grandes entradas, cenas y el placer de ser visto luciendo absolutamente fabuloso. Sospecho que parte de esa fascinación proviene de la ausencia. Idealizamos estos arquetipos porque la cultura moderna produce pocas o ninguna mujer que se asemeje.
El «doñismo» ha perdido fuerza. El «Cisne» ha perdido fuerza. Incluso la «socialité» ha sido sustituida en gran medida por algo más accesible, más expuesto y considerablemente menos seductor.
La moda sufre esa pérdida.
La Doña no resuelve esta cuestión fingiendo que se puedan volver a crear mujeres así. Lo que propuso es más interesante: ¿y si el arquetipo sobrevive incluso cuando la sociedad que lo creó ya no existe? La falda de charol, la camisa de corte impecable, los pliegues enormes, las flores de tafetán… Ninguno de estos elementos exige que la mujer que los lleva sea como María Félix. Solo le exigen que comprenda y aprecie el placer de construir presencia.
Quizás eso sea lo que queda de la gran dama y los cisnes tras su desaparición.
El instinto de entrar en una habitación como si ser visto como corriente te repugnara.
Quizá La Doña sea la respuesta de Jorge a una extinción que la moda lleva años lamentando.
ESCRITO POR FREDDY ESPINAL